Artistas en residencia. Edición 2020
Se alarga la convocatoria de Artistas en residencia 2020 —programa conjunto de La Casa Encendida, el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y el MACBA— porque, con motivo de la pandemia de la COVID-19, su calendario se ha visto afectado. Por consiguiente, la próxima convocatoria de Artistas en residencia se aplaza hasta junio de 2021.
Al verse interrumpido el período de residencias de los/las artistas seleccionados/as en la convocatoria anterior, y con el fin de que puedan completarlo de la forma más satisfactoria posible y respondiendo a nuestro compromiso con lo establecido en las bases, vemos necesario prolongar el periodo de la convocatoria vigente y aplazar la próxima convocatoria de Artistas en residencia a junio de 2021.
La Casa Encendida, El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y el MACBA siguen manteniendo su apoyo, especialmente en estos tiempos difíciles, a los/las artistas de las artes escénicas, y seguirán trabajando —adaptándose a las medidas de seguridad que marque el desarrollo de la pandemia— en el fomento de la creación y la investigación con el cuerpo desde lo performativo.
ARTISTAS
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Luz Broto (Barcelona, 1982) es licenciada en Bellas Artes y diplomada en estudios avanzados en Arte en la era digital. Ha recibido becas de producción e investigación del Royal Institute of Art de Estocolmo, BCN Producció’10 y Blueproject Foundation; ha sido galardonada con los premios Art Nou y Miquel Casablancas; y ha participado en las residencias LIPAC de Buenos Aires y FLORA de Bogotá.
Sus obras nacen de la exploración de los condicionantes de un lugar o situación —elementos arquitectónicos e infraestructuras; estructuras organizativas, normas y protocolos; así como hechos históricos o recientes—. Siguiendo esta línea, sus propuestas suelen activar dimensiones desconocidas y requieren delicados procesos de diálogo y negociación. En cuanto a su práctica, contextual y propositiva, explora el carácter relacional del espacio y la implicación del cuerpo como elemento activo en las configuraciones establecidas.
Algunos de sus proyectos más destacados son Exponer las columnas (2019), Ir a menos (2017), Derogar las normas de uso relativas al silencio (2016) o Asimilar la temperatura exterior, entre otros. En 2015 expuso en el MACBA Abrir un agujero permanente, pero además de verse en Barcelona sus obras han viajado a ciudades como Madrid, San Sebastián o Viena.
Sus obras nacen de la exploración de los condicionantes de un lugar o situación —elementos arquitectónicos e infraestructuras; estructuras organizativas, normas y protocolos; así como hechos históricos o recientes—. Siguiendo esta línea, sus propuestas suelen activar dimensiones desconocidas y requieren delicados procesos de diálogo y negociación. En cuanto a su práctica, contextual y propositiva, explora el carácter relacional del espacio y la implicación del cuerpo como elemento activo en las configuraciones establecidas.
Algunos de sus proyectos más destacados son Exponer las columnas (2019), Ir a menos (2017), Derogar las normas de uso relativas al silencio (2016) o Asimilar la temperatura exterior, entre otros. En 2015 expuso en el MACBA Abrir un agujero permanente, pero además de verse en Barcelona sus obras han viajado a ciudades como Madrid, San Sebastián o Viena.
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Sofía Montenegro (Madrid, 1988) estudió Bellas Artes y Estudios Culturales entre Utrecht y Madrid, y un máster en Art Praxis en el Dutch Art Institute. Ha sido seleccionada en dos ocasiones para los Circuitos de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid, ha recibido una Ayuda de Creación INJUVE y ha sido galardonada con el Jan Zumbrink Prijs y el Piet Bakker Prijs (Países Bajos).
También ha sido residente del CA2M y LCE, y ha colaborado en proyectos y residencias en el Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca), Lugar a Dudas (Cali) o Kunstverein Munich (Múnich), por citar algunos. Entre otras ciudades, su obra se ha expuesto en Reikiavik, Gijón, Madrid, Ámsterdam o Tilburg.
En su trabajo utiliza imagen, sonido, texto y prácticas performáticas. En Relámpago: Agitar con fuerza (fruto de su residencia en el MACBA) prueba estrategias de simulación sonora para transformar la percepción de lo que se observa, resultado de su deseo de explorar la forma en la que se construyen la ficción y el artificio en el cine para aplicarlos a un espacio real.
También ha sido residente del CA2M y LCE, y ha colaborado en proyectos y residencias en el Addaya Centre d’Art Contemporani (Mallorca), Lugar a Dudas (Cali) o Kunstverein Munich (Múnich), por citar algunos. Entre otras ciudades, su obra se ha expuesto en Reikiavik, Gijón, Madrid, Ámsterdam o Tilburg.
En su trabajo utiliza imagen, sonido, texto y prácticas performáticas. En Relámpago: Agitar con fuerza (fruto de su residencia en el MACBA) prueba estrategias de simulación sonora para transformar la percepción de lo que se observa, resultado de su deseo de explorar la forma en la que se construyen la ficción y el artificio en el cine para aplicarlos a un espacio real.
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Tras dos recorridos independientes, Damián Montesdeoca (Las Palmas de Gran Canaria, 1992) y Amaia Bono (Vitoria-Gasteiz, 1989) coinciden en el contexto del máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la UCLM. Y es ahí donde empiezan a pensar de forma conjunta en modelos de producción/creación/investigación artísticas que partan de estrategias convencionales, desbordando los límites de la tradición escénica.
Su proyecto La repetición, fruto de su residencia en el MACBA, encuentra sus orígenes en la siguiente idea, expresada en palabras de este tándem artístico: “La ciencia solamente puede percibir fenómenos repetibles. Conocemos el universo a través de lo que se repite. El latido del corazón es una repetición que nos mantiene con vida. En la vida todo se repite. Todo se repite. En la historia, todo lo que olvidamos se repite. Repetimos nuestros errores. El ser humano es el único animal que se repite al tropezar con la misma piedra.”
Su proyecto La repetición, fruto de su residencia en el MACBA, encuentra sus orígenes en la siguiente idea, expresada en palabras de este tándem artístico: “La ciencia solamente puede percibir fenómenos repetibles. Conocemos el universo a través de lo que se repite. El latido del corazón es una repetición que nos mantiene con vida. En la vida todo se repite. Todo se repite. En la historia, todo lo que olvidamos se repite. Repetimos nuestros errores. El ser humano es el único animal que se repite al tropezar con la misma piedra.”
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Amaranta Velarde es graduada por la Codarts University de Róterdam y trabaja en el campo de las artes escénicas como bailarina y coreógrafa. Su interés gira entorno a la intersección de aquello que es producido artificialmente y determinado culturalmente con lo espontáneo, desinhibido e involuntario.
Después de un tiempo en los Países Bajos se muda a Barcelona, desde donde crea sus piezas coreográficas Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad y Mix-en-scene. Además de realizar sus propios proyectos ha colaborado con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska, y ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016).
La obra generada a partir de su residencia en el MACBA es Estancias Acústicas —una investigación en formato audiovisual de los conceptos trabajados en el proceso escénico Apariciones Sonoras (2018-2019)—, cuyo eje central gira en torno a las relaciones coreográficas y plásticas del sonido y el cuerpo. Como marco referencial, trabaja alrededor del fenómeno de la sinestesia, otorgando forma, movimiento y plasticidad al sonido, y sonorizando el cuerpo, el espacio y los objetos. Todo ello, traspasando conceptos acústicos, coreográficos y plásticos de unos elementos a otros, a la vez que se realizan diferentes estrategias para mutar la percepción de estos otorgándoles un nuevo significado.
Después de un tiempo en los Países Bajos se muda a Barcelona, desde donde crea sus piezas coreográficas Lo Natural, Hacia una estética de la buena voluntad y Mix-en-scene. Además de realizar sus propios proyectos ha colaborado con creadores como Cris Blanco, el Conde de Torrefiel y Ola Maciejewska, y ha formado parte del colectivo ARTAS de La Poderosa (2013-2016).
La obra generada a partir de su residencia en el MACBA es Estancias Acústicas —una investigación en formato audiovisual de los conceptos trabajados en el proceso escénico Apariciones Sonoras (2018-2019)—, cuyo eje central gira en torno a las relaciones coreográficas y plásticas del sonido y el cuerpo. Como marco referencial, trabaja alrededor del fenómeno de la sinestesia, otorgando forma, movimiento y plasticidad al sonido, y sonorizando el cuerpo, el espacio y los objetos. Todo ello, traspasando conceptos acústicos, coreográficos y plásticos de unos elementos a otros, a la vez que se realizan diferentes estrategias para mutar la percepción de estos otorgándoles un nuevo significado.
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Clara García Fraile (Zamora, 1984) és graduada en Performance i Arts Visuals per la Universitat de Brighton, màster de Teatre per la DAS Graduate School d’Amsterdam i alumna del Programa d’Estudis Independents de MACBA.
Juntament amb Sam Pearson, amb qui va formar Me and the Machine, ha creat obres entre l’audiovisual, la política i la dansa, que han estat presentades a escala internacional i que han rebut, entre altres guardons, l’Arches Brick Award. Alguns dels seus treballs en solitari propers a la investigació, la intervenció i la literatura s’han presentat a l’EYE Film Museum d’Amsterdam, l’Antic Teatre de Barcelona, el Centre Conde Duque de Madrid o el Zürcher Theater Spektakel de Zuric.
El seu projecte de residència al MACBA és El tiempo de la revolución, on parteix de la curiositat per saber com se senten els cossos humans en ple esdevenir revolucionari: què perceben les seves carns i els seus ossos, i com respiren i transpiren quan es posen a practicar una transformació radical de les seves formes de vida.
Juntament amb Sam Pearson, amb qui va formar Me and the Machine, ha creat obres entre l’audiovisual, la política i la dansa, que han estat presentades a escala internacional i que han rebut, entre altres guardons, l’Arches Brick Award. Alguns dels seus treballs en solitari propers a la investigació, la intervenció i la literatura s’han presentat a l’EYE Film Museum d’Amsterdam, l’Antic Teatre de Barcelona, el Centre Conde Duque de Madrid o el Zürcher Theater Spektakel de Zuric.
El seu projecte de residència al MACBA és El tiempo de la revolución, on parteix de la curiositat per saber com se senten els cossos humans en ple esdevenir revolucionari: què perceben les seves carns i els seus ossos, i com respiren i transpiren quan es posen a practicar una transformació radical de les seves formes de vida.
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Iniciativa Sexual Femenina, formado por Élise Moreau, Cristina Morales y Elisa Keisanen, es un colectivo de danza contemporánea con una vocación feminista, libertaria y antiacademicista.
Su primera pieza, Catalina (2019), explora el placer sexual, su represión y sus consecuencias, tanto en la escena como en la vida. En 2019 también celebraron, con Pato – merengue para espéculos vaginales, los cien años de la aparición de la revista anarcofeminista Mujeres libres. En la actualidad, las artistas dinamizan “jAula libre”, un taller de expresión artística en el contexto escolar.
En su proyecto de residencia del MACBA prosiguen su indagación sobre la noción de “cuerpo violento” iniciada en Catalina, dirigiendo su atención al martirio, su estetización y su sexualización. Partiendo de lo que ellas mismas llaman “la metodología del límite” (consistente en identificar nuestras limitaciones físicas y morales, y decidir si sobrepasarlas o no), se proponen, en sus propias palabras, “la construcción de un cuerpo no por sufriente menos politizado, no por embellecido menos deseoso de envilecerse”.
Su primera pieza, Catalina (2019), explora el placer sexual, su represión y sus consecuencias, tanto en la escena como en la vida. En 2019 también celebraron, con Pato – merengue para espéculos vaginales, los cien años de la aparición de la revista anarcofeminista Mujeres libres. En la actualidad, las artistas dinamizan “jAula libre”, un taller de expresión artística en el contexto escolar.
En su proyecto de residencia del MACBA prosiguen su indagación sobre la noción de “cuerpo violento” iniciada en Catalina, dirigiendo su atención al martirio, su estetización y su sexualización. Partiendo de lo que ellas mismas llaman “la metodología del límite” (consistente en identificar nuestras limitaciones físicas y morales, y decidir si sobrepasarlas o no), se proponen, en sus propias palabras, “la construcción de un cuerpo no por sufriente menos politizado, no por embellecido menos deseoso de envilecerse”.
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